Filippino Lippi

Nacido en Prato (Toscana), fruto de la relación del pintor Fra Filippo Lippi con la novicia Lucrezia Buti. Filippino decidió seguir los pasos de su padre, formándose a su lado. Se mudaron a Spoleto, donde Filippino trabajó en las obras de construcción de la catedral de Spoleto. A la muerte de su padre en 1469, Filippino completó los frescos con la Storie della Vergine (Historias de la Virgen) en la catedral. Completó su aprendizaje en el taller de Botticelli, quien había sido a su vez alumno del padre de Filippino. En 1472, Botticelli también lo adoptó como compañero en la Compagnia di San Luca.

Sus primeros trabajos se parecen en gran medida a los de Botticelli, pero con menor sensibilidad y sutileza. Los primeros de ellos (que datan de 1475 en adelante) fueron atribuidos a un anónimo "Amico di Sandro" ("Amigo de Botticelli"). Finalmente, el estilo de Lippi evolucionó hacia trazos más personales y efectivos durante los años 1480-1485. Los trabajos de su primer periodo incluyen las Madonnas de Berlín, Londres y Washington, los Viajes de Tobias de la Galeria Sabauda en Turín, Italia, la Madonna del Mar de la Galleria dell'Accademia y las Historias de Ester.

Lippi trabajó conjuntamente con Perugino, Ghirlandaio y Botticelli, en los frescos decorativos de la vila de Lorenzo de Médicis en Spedaletto. El 31 de Diciembre de 1482 se le hizo el encargo de un muro en la Sala dell'Udienza en el Palazzo Vecchio de Florencia (trabajo que nunca empezó). Poco después (probablemente en 1483-1484) se le encargó finalizar la decoración de la Brancacci en la iglesia de Santa Maria del Carmine en Florencia, cuyo autor, Masaccio no había podido completar al verse sorprendido por la muerte en 1428. Aquí pintó las Historias de San Pedro en los siguientes frescos: Discusión con Simón Magus ante Nerón, Resurrección del hijo de Teófilo, Encarcelamiento de San Pedro, Liberación y Crucificción de San Pedro.

Su trabajo en la Sala degli Otto di Pratica, en el Palazzo Vecchio, empezaron el 20 de Febrero de 1486, y actualmente se encuentran en la Galeria degli Uffizi. Durante esos años, Piero di Francesco del Pugliese le encargó pintar el retablo con la Aparición de la Virgen a San Bernardo, en la actualidad en la Badia Fiorentina, Florencia. Se trata de la obra más popular de Lippi: una composición con elementos no reales, con figuras particularmente alargadas, rodeadas al fondo por un escenario fantasmagórico de rocas y troncos antropomórficos. La obra fue relizada durante 1480-1486.

Finalmente, trabajó para Tanai de' Nerli en la Iglesia del Santo Espíritu.

El 21 de Abril de 1487, Filippo Strozzi le encargó la decoración de la capilla familiar en Santa Maria Novella con las Historias de San Juan Evangelista y San Felipe. Trabajó en esta obra intermitentemente, finalizándola en 1503, una vez su cliente ya había fallecido. Las ventanas con temas musicales, también diseñadas por Filippino, se completaron durante los meses de junio y julio de 1503. En estas composiciones se ve reflejada la crisis política y religiosa que sufría Florencia durante esa época: el tema del fresco, el choque entre la Cristiandad y Paganismo era el tema de debate favorito de la Florencia de Girolamo Savonarola.

Filippino situaba a sus personajes en un entorno que recreaba el mundo antiguo hasta el más mínimo detalle, mostrando la influencia del estilo Grottesco que había captado en su viaje a Roma. De este modo, creó un estilo "animado", misterioso, fantástico, pero también inquietante, disfrazando la irrealidad en pesadilla. Lippi retrató con esta técnica, verdugos despiadados con rostros deformadamente sombríos, encolerizados contra los santos. En la escena San Felipe expulsando un monstruo del templo, la estatua del dios pagano es una figura viviente que parece desafiar al santo cristiano.

En 1488 Lippi se trasladó a Roma, recomendado por Lorenzo de Médicis al cardenal Oliviero Carafa para decorar la capilla familiar de Santa Maria sopra Minerva. Estos frescos muestran una nueva fuente de inspiración, muy diferente de sus trabajos anteriores, pero confirman su continua búsqueda en los temas del mundo antiguo. Lippi completó el ciclo hacia 1493.

Su vuelta a Florencia se sitúa aproximadamente entre 1491 y 1494. Las obras de este periodo incluyen: Aparición de Jesucristo a la Virgen (1493, actualmente en Múnich), Adoración de los Magos (1496, para la iglesia de San Donato en Scopeto, que puede contemplarse en la Galeria Uffizi), Sacrificio de Lacoön (final de siglo, para la vila de Lorenzo de Médici en Poggio a Caiano), San Juan Bautista y Magdalena (Capilla Valori en San Procolo, Florencia], inspirada de algún modo por el arte de Luca Signorelli). También trabajó fuera de su país natal, en Pavia y en Prato, donde en 1503 completó la Tabernáculo de la canción de Navidad, actualmente en el museo de la ciudad. En 1501 Lippi pintó las Bodas místicas de Santa Catalina para la Basílica de San Domenico en Bolonia.

Cosme de Médici

Cosme de Médici, en italiano Cosimo de' Medici, (Florencia 1389 - Florencia 1464). Fue un político y banquero italiano, fundador de la dinastía de los Médici, dirigentes efectivos de Florencia durante una buena parte del Renacimiento italiano. Se le conoció también con el nombre de Cosme el viejo y "Cosimo Pater Patriae" (Padre de la Patria).

Tras la muerte de su padre en 1429, se opuso al régimen oligárquico por entonces establecido en Florencia, en el que prevalecía la familia rival de los Albizzi. La influencia de Cosme de Médici, dotado de un excepcional sentido político, adquirió más importancia cuando el jefe de la oligarquía Rinaldo Albizzi le hizo arrestar en 1433 acusándole de malversación. Fue encarcelado en el Palazzo Vecchio y enviado al exilio durante diez años. Cosme se instaló en Venecia, sin perder el contacto con los partisanos.

Albizzi mantuvo un duro enfrentamiento con sus enemigos; ni su prestigio, ni su dinero intimidaron a sus adversarios y, un año más tarde, Cosme regresó a Florencia. Triunfante y aclamado por el pueblo desterró a su rival.

Como su padre, en otro tiempo, fue nombrado gonfaloniere de Florencia en 1434, lo que le permitió llevar a cabo sus deseos políticos, intentando convertir a su familia en el árbitro del Estado florentino. Impulsó la política exterior y ejerció, por medio de la misma, una gran influencia en toda Italia. Utilizó para este fin, y en diferentes direcciones, su extraordinaria fortuna proveniente de la banca herencia de su padre, que poseía varias filiales en diversos Estados italianos y en el extranjero.

Fue el fundador del mecenazgo de los Médici. Amante del arte y de las ciencias, puso al servicio de las mismas su fortuna con la liberalidad de un gran señor, toda Florencia siguió su ejemplo. Gran coleccionista, se hizo aconsejar por Donatello con el que entabló amistad y le animó en sus adquisiciones artísticas.

Sandro Botticelli

Botticelli, hijo de un curtidor, nació en Florencia. El nombre por el que se le conoce (diminutivo italiano de la palabra botijo) era probablemente el apodo de su hermano mayor o el nombre del orfebre del que fuera aprendiz, su verdadero nombre era Alessandro di Mariano Filipepi. Fue uno de los pintores más destacados del renacimiento florentino. Desarrolló un estilo personalísimo, caracterizado por la elegancia de su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas.

Fue discípulo de Fra Filippo Lippi. Trabajó con el pintor y grabador Antonio del Pollaiuolo, del que aprendió el dominio de la línea y también recibió gran influencia de Andrea del Verrocchio. Hacia 1470 Botticelli ya tenía su propio taller. Dedicó casi toda su vida a trabajar para las grandes familias florentinas, especialmente los Médicis, para los que pintó retratos, entre los que destaca su Retrato de Giuliano de Medici (1475-1476, Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.). La adoración de los Magos (1476- 1477, Galería de los Uffizi, Florencia) no fue encargo de los Médicis pero en él pintó a los personajes con rasgos muy parecidos a los de dicha familia. Como integrante del brillante círculo intelectual y artístico de la corte de Lorenzo de Médicis, Botticelli recibió la influencia del neoplatonismo cristiano de ese círculo, que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas. Esa síntesis se expresa en La primavera (c. 1478) y en El nacimiento de Venus (posteriores a 1482), dos obras realizadas para una de las villas de la familia Médicis, que hoy se hallan en la Galería de los Uffizi y que, probablemente, son las obras más conocidas de Botticelli. Aunque los expertos no han llegado a la interpretación definitiva de estos dos cuadros, sus elegantes personajes, que forman diseños lineales abstractos bañados por una suave luz dorada, podrían representar a Venus como símbolo del amor tanto cristiano como pagano. Dentro de este ámbito profano también destaca la serie de cuatro cuadros Nastapio degli Honesti (Museo del Prado, Madrid), donde recrea una de las historias del Decamerón, de Bocaccio. Botticelli también pintó temas religiosos, principalmente tablas de Vírgenes, como La Virgen escribiendo el Magnificat (década de 1480), La Virgen de la granada (década de 1480) y La coronación de la Virgen (1490), todas ellas en los Uffizi.

En 1481 Botticelli fue uno de los artistas llamados a Roma para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, donde pintó los frescos Las pruebas de Moisés, El castigo de los rebeldes y La tentación de Cristo. En la década de 1490, cuando los Médicis fueron expulsados de Florencia y el monje dominico Girolamo Savonarola predicaba la austeridad y la reforma, Botticelli sufrió una crisis religiosa, aunque no abandonó la ciudad, donde moriría el 17 de mayo de 1510.

Donatello

Donatello, seudónimo de Donato di Niccolò di Betto Bardi, nació en Florencia y era hijo de un cardador de lana. Generalmente se le considera como el escultor más original del renacimiento italiano y uno de los artistas más importantes de ese periodo. A la edad de 17 años fue ayudante de Lorenzo Ghiberti en la construcción y ornamentación de las famosas puertas de bronce del baptisterio de San Juan de Florencia. Más adelante también trabajó en colaboración con Filippo Brunelleschi, con quien parece que fue a Roma para estudiar los monumentos de la antigüedad clásica. Su carrera artística puede dividirse en tres periodos:

El primero, el periodo de formación, abarca hasta el año 1425, y en él su obra presenta influencias de la escultura gótica, aunque también revela tendencias clásicas y realistas, entre las esculturas de este periodo destacan las estatuas de San Marcos (1411-1412, iglesia de Orsanmichele, Florencia), San Jorge (1415-1417, Bargello, Florencia), San Juan Evangelista (1413-1415, Opera del Duomo, Florencia) y Josué (1418, campanile de la catedral de Florencia).

El segundo periodo (1425-1443) suele caracterizarse por utilizar modelos y principios escultóricos de la antigüedad clásica. Entre 1425 y 1435 Donatello trabajó con el escultor y arquitecto florentino Michelozzo en varios proyectos, entre los que se encuentra el monumento dedicado a Bartolomeo Aragazzi (catedral de Montepulciano), en este trabajo conjunto Michelozzo se ocupaba de los diseños arquitectónicos y ayudaba en el vaciado de los bronces a Donatello, que realizó la mayor parte de las esculturas. Entre 1430 y 1433 Donatello pasó algunas temporadas en Roma, donde creó varias obras, de las que la más notable es el cáliz de la sacristía de la basílica de San Pedro, decorado con los relieves de La adoración de los ángeles y El entierro de Cristo. Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra más notable de este periodo, su David en bronce (c. 1430-1435, Bargello), primer desnudo exento de la escultura renacentista.

En el tercer periodo, el de su culminación, Donatello se alejó de la influencia clásica y puso mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción. Ejemplos notables de la escultura de esta época son Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua), El Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio), primera estatua ecuestre ejecutada a tamaño natural, en bronce, desde la antigüedad, y Judith y Holofernes (Piazza della Signoria, Florencia).

Las obras de Donatello influyeron en la escultura de Florencia y del norte de Italia durante el siglo XV. Representó también un impulso importante en el desarrollo realista de la pintura italiana.

Filippo Brunelleschi

Brunelleschi nació en Florencia en 1377, donde recibió una temprana formación como orfebre. Fue uno de los maestros fundamentales de la transición hacia el renacimiento y sus aportaciones, como la recuperación de los motivos clásicos y la capacidad para trasladar a sus obras las leyes matemáticas de la proporción y la perspectiva le convirtieron en el primer arquitecto de la edad moderna.

En 1401 participó, aunque no resultó premiado, en el famoso concurso para el diseño de las puertas de bronce del baptisterio de su ciudad. Más tarde se dedicó a la arquitectura, y en 1418 recibió el encargo de construir la cúpula inacabada del Duomo, la catedral gótica de Florencia. Su proyecto, que representó una gran innovación no sólo artística, sino también técnica, consistía en la superposición de dos bóvedas esquifadas octogonales, una dentro de otra. Esta disposición permitía un reparto de esfuerzos junto con una ligereza excepcional, y se convirtió en el modelo constructivo de cúpula durante varios siglos. El arquitecto florentino partió de la necesidad de una estructura de ocho nervios, que discurren por el exterior y sirven de apoyo para el resto de los elementos decorativos, como los relieves con motivos arquitectónicos, los ocho ojos de buey y la elegante linterna que culmina el conjunto. Por primera vez en la historia una cúpula ofrecía el mismo aspecto estructural en el interior que en el exterior. En otros edificios florentinos, como la iglesia de San Lorenzo (1418-1428) y el hospital de los Inocentes (1421-1455), Brunelleschi perfeccionó su estilo austero y geométrico, inspirado en la antigua Roma y completamente diferente del gótico florido que prevalecía en su época.

Masaccio

Tommaso Cassai nació en San Giovanni Valdarno, cerca de Florencia en 1401. En 1422 pasó a formar parte del gremio de pintores florentinos. Su personal estilo pictórico debe poco a otros maestros, si exceptuamos la gran figura del siglo XIV, Giotto, aunque hay una gran diferencia entre ambos, los personajes de Giotto recuerdan piedras labradas, mientras que los de Masaccio parecen de carne y hueso. Masaccio estará más influido por el arquitecto Brunelleschi y por el escultor Donatello, contemporáneos con los que comparte una visión artística renovadora, estableciendo juntos las bases del nuevo lenguaje renacentista. De Brunelleschi adquiere el conocimiento de la proporción matemática, crucial para la recuperación de los principios de la perspectiva científica. De Donatello adopta su conocimiento del arte clásico que le aparta para siempre del estilo gótico. Masaccio inaugura una nueva aproximación naturalista en el arte de la pintura, que atiende más a la simplicidad y unidad de la composición, a la representación del espacio tridimensional que a los detalles y decoración. Sólo sobreviven cuatro obras atribuidas con certeza a Masaccio, si bien se le han atribuido otras pinturas total o parcialmente. Todas sus obras, retablos o frescos de iglesias, se centran en el tema religioso.

La más temprana, La Virgen con santa Ana (c. 1423, Uffizi, Florencia), muestra la influencia de Donatello en las texturas realistas de las carnaciones y en la rotundidad de las formas.

• En el fresco de La Santísima Trinidad con San Juan y la Virgen (c. 1425, Santa Maria Novella, Florencia), la escena queda emplazada dentro de un marco arquitectónico clasicista en el que el espacio por vez primera tiene perspectiva.

• El retablo para la iglesia de Santa Maria del Carmine de Pisa (1426), muestra en el panel central la Adoración de los Magos (hoy en el Staatliche Museen, Berlín), donde el tratamiento se aleja del carácter decorativo tradicional propio del tema, en aras de una mayor simplicidad y austeridad. En la serie de frescos (c. 1427) de la capilla Brancacci en la iglesia de Santa Maria del Carmine de Florencia se observa otra de las grandes innovaciones de Masaccio, el empleo de la luz en el modelado del cuerpo y los ropajes. En ellos, Masaccio más que bañar las escenas con una luz uniforme, refleja en el espacio pictórico el equivalente a un foco lumínico único y direccional (la ventana real de la capilla), creando así un juego de luces y sombras (claroscuro) que proporciona a los temas un aspecto natural y realista desconocido en el arte anterior. Se trata de una serie de seis frescos, entre los que El tributo de la moneda y La expulsión del Paraíso se consideran obras maestras. La obra de Masaccio ejerció una profunda influencia en la evolución del arte florentino posterior, en especial en la obra de Miguel Ángel.
  

Giotto di Bondone

Giotto di Bondone (1266-1337) fue el pintor que revolucionó el Arte occidental hasta el punto de que se le considera el primer nombre de la pintura europea debido a us dotes inusualmente imaginativas, sus novedosas iconografías, y su destacable amor por la naturaleza y la expresión humana. Las primeras obras de Giotto, aún muy cercanas a Cimabue, ya comienzan a mostrar abiertamente algunas de sus características pictóricas originales: es el caso del Crucifijo de la Iglesia de Santa Maria Novella, en Florencia (entre 1290-1295), donde la humanización de la figura de Cristo se aleja brutalmente de los crucifijos bizantinos.

La primera obra maestra de Giotto son los frescos que realiza en la Iglesia superior de la Basílica de San Francisco en Asís, entre 1296 y 1300, basados en La leyenda de San Buenaventura. Sin embargo, estas obras no alcanzan la perfección de los frescos realizados para la Capilla Scrovegni , en Padua, donde, además de la calidad individual de cada escena (desde el dramatismo de la Matanza de los Inocentes hasta los misteriosos rostros de las mujeres en El encuentro de San Joaquín y Santa Ana ) se añade el valor de la concepción espacial del conjunto de la Capilla. Giotto pinta otra nueva serie de frescos para la Iglesia de la Santa Croce , ya en su madurez (c. 1325)
Además de los frescos, Giotto realizó varias pinturas sobre tabla, destacando la Madonna en majestad (conocida como la Madonna Ognissanti ) en el que el rostro de la Virgen , lejos de la frialdad e inexpresividad hierática de las madonnas bizantinas, muestra una expresividad que sugiere la posibilidad de que haya sido tomado de una modelo de la época.
También se sabe que Giotto destacó en el campo de la Arquitectura, recibiendo el encargo del campanile de la Catedral de Florencia, aunque probablemente no llegó a realizar más que los bocetos
Giotto es a la pintura trecentista italiana un fenómeno al cual todos intentan seguir pero nadie consigue alcanzar, ni mucho menos superar, hasta la aparición de Fra Angelico y los primitivos flamencos de comienzos del siglo XV.

Plaza de los Milagros

La Piazza dei Miracoli («Plaza de los Milagros») o Piazza del Duomo («Plaza de la catedral») es una amplia área amurallada en el corazón de la ciudad de Pisa, Toscana (Italia). Esta plaza está en parte pavimentada y en parte cubierta de hierba, dominada por cuatro grandes edificios religiosos: El Duomo, la Torre inclinada de Pisa, (el campanario de la catedral), el Baptisterio y el Camposanto.

El nombre Piazza dei Miracoli fue creado por el escritor y poeta italiano Gabriele d'Annunzio, quien la describió como "El Ardea rotó sobre el cielo de Cristo, sobre el prado de los Milagros" en su novela Forse che sì forse che no, publicada por primera vez en 1910.

En 1987 la plaza fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

La Torre de Pisa

La torre es el campanario de la catedral. Su construcción se inició en Agosto de 1173 por el arquitecto Diotisalvi y desde aquel instante se comenzó a inclinar. Su inclinación actual es de 4º respecto al eje vertical. Se compone de 8 niveles todos con arcos de medio punto.

Su construcción duró 200 años la cual comenzó el 9 de agosto de 1173. Su primera fase, la planta de mármol rodeada de pilares con arcos ciegos. Fue en la construcción de su tercera planta en 1178 cuando comenzó a inclinarse hacia el norte por los débiles cimientos en el subsuelo inestable. Su construcción cesó durante un siglo por las diferentes guerras y no fue hasta 1272 cuando Giovanni di Simone, constructor del camposanto retomó la construcción. Añadió cuatro plantas más con un ángulo pensado para contrarrestrar el grado de inclinación, para ello hizo algunas paredes más altas que otras. En 1284 se volvió a cesar la construcción por la derrota de Pisa contra los genoveses.
En 1372 Tommasso di Andrea Pisano construyó la última planta combinando románico y gótico e instala las 7 campnas que componen el campanario. Aunque su intención fue de contrarrestra la inclinación en realidad consiguió que se inclinase más.

En 1838 el arquitecto Alessando Della Gherardesca exavó alrededor de la torre para ver su base lo que produjo que se inclinase aún más. En 1934 Benito Mussolini ordenó verter cemento en su base que produjo también una mayor inclinación. No fue hasta 1990 cuando se comenzó con un obra para estabilizarla. Al principio se colocó 630 toneladas de plomo en el lado norte. Este experimiento funcionó aunque el resultado estético no era muy bueno. Al final quitaron 38 metros cúbicos de tierra en la zona inferior. En el proceso se sujeto la torre con clabes de acero. Con esto se prevee que sea estable al menos otros 300 años. Se ha añadido también un sistema que monitorea el comportamiento de la estructura.

El Duomo

La catedral de Pisaes una basílica de 5 naves consagrada a la Asunción de la Virgen. Se empezó a construir en 1064 por el arquitecto Buscheto quien originó el estilo románico pisano en arquitectura. Las columnas provienen de la mezquita de Palermo, mientras que los arcos apuntados indican la influencia islámica, lo que indica una gran influencia bizantina.

El gran mosaico del ábside con Cristo en majestad, rodeado por la Virgen y San Juan Evangelista fue terminado con el rostro de san Juan por Cimabue en 1302, y sobrevivió milagrosamente al incendio de 1595. El San Juan Evangelista es la última obra realizada por él antes de la muerte y una de las pocas de las que existe documentación certificada. Evoca los mosaicos de las iglesias bizantinas y normandas, como la de Cefalú y Monreale, en Sicilia.

El púlpito de la Catedral, obra maestra de Giovanni Pisano, sobrevivió al incendio pero fue desmontado durante los trabajos de restauración y no fue repuesto hasta 1926. Con su estructura arquitectónica y la compleja decoración escultórea, la obra es una de las más vastas narraciones por imágenes del siglo XIV que refleja la renovación y el fervor religioso de la época. En las placas, ligeramente curvas, se han esculpido con un lenguaje expresivo los episodios de la Vida de Cristo. Está apoyado en columnas lisas (dos de las cuales están montadas sobre esculturas de león) en un lado y en el otro por cariátides y un telamón: este último representa a San Miguel, los Evangelistas, las cuatro virtudes cardinales flanqueando a la Iglesia, y una representación franca y naturalista de un Hércules desnudo. Un plinto central con las artes liberales apoya a las cuatro virtudes teologales.

Giovanni Pisano fue un escultor italiano, pintor y arquitecto, hijo del famoso escultor Nicola Pisano. Ambos marcaron el paso
al Renacimiento inspirándose en los elementos griegos y latinos de la Antigüedad

El Baptisterio

El Battistero di San Giovanni de estilo románico-pisano se encuentra al oeste del Duomo (Catedral), en el mismo eje del anterior.
Lo diseñó casi por entero el Maestro Diotisalvi el prestigioso arquitecto toscano de la época, quien empezó a construirlo en 1152 – unos cien años después del Duomo- tal y como consta en las inscripciones que hay en los pilares situados junto a la puerta de entrada.
Diotisalvi concibió un edificio religioso de enormes proporciones en mármol blanco y de planta circular en conmemoración a la “Rotonda de la Anástasis”, el grandioso mausoleo situado sobre el Santo Sepulcro de Jerusalén.
El arquitecto dirigió las obras del Baptisterio desde 1152 hasta 1180, aprox., hasta que la parte superior de los arcos del primer nivel de la fachada se terminaron de construir y hasta que las columnas y los pilares interiores estuvieron acabados.
En 1260 el célebre escultor italiano Nicola Pisano dio continuidad a las obras del Baptisterio, que habían quedado interrumpidas durante décadas, aumentando la altura del Baptisterio mediante el posicionamiento de dos cúpulas. La superior y más pequeña de ellas es de forma cónica con la cima recortada y está situada sobre la principal en forma de hemisferio. A Nicola Pisano le sucedió su hijo Giovanni. Las obras prosiguieron sin interrupción alguna durante unos dos siglos, por lo que se observan elementos procedentes de dos estilos distintos, fundamentalmente. Los arcos ciegos que están situados en la parte baja de la fachada son de estilo románico-pisano, mientras que las pequeñas galerías superiores son de estilo gótico.
El Baptisterio de San Giovanni de Pisa, cuya construcción y ornamentación interior se terminó en el siglo XIV, está considerado como el mayor de su estilo en el mundo de la Cristiandad. Tiene más de 107 metros de circunferencia y la cúpula mide 75 metros de altura.

En el centro de la planta se encuentra la elegante pila bautismal octogonal de mármol blanco, obra del insigne escultor gótico lombardo Guido Bigarelli da Como. Junto a la pila está situado el sobresaliente e innovador púlpito de mármol blanco de Nicola Pisano, quien empezó a realizar la obra en 1260.
El gran púlpito se sustenta sobre una columna central instalada en un pedestal con imágenes grotescas y representaciones de animales, basadas en imágenes de antiguas religiones paganas, y seis columnas externas. De éstas, tres de ellas reposan sobre lomos de leones que están decorados con diseños románicos que representan el triunfo del Cristianismo.
Las columnas están rematadas con capiteles góticos espléndidamente tallados.
Los arcos que conforman el púlpito cuentan con valiosos paneles labrados con las imágenes de los profetas, los evangelistas, San Juan Bautista y las virtudes. Además, Nicola Pisano talló una larga serie de escenas que describen la vida de Nuestro Señor Jesucristo, comenzando por la Anunciación de la Virgen y terminando por la Pasión de Jesús y el Juicio Final.

Pintura Gótica

La pintura gótica es una de las expresiones del arte gótico que no apareció hasta el año 1200, 50 años despues del comienzo de la arquitectura gótica. El inicio se produjo en la Italia septentrional.

La pintura sufre un gran cambio debido a la arquitectura, esta elimina los amplios muros por ventanales impidiendo pintarlos. Esto en Italia afecta más ya que aunque en Europa comenzamos a ver pinturas sobre tabla, en el país de Roma se sigue con la pintura mural. En el palacio Ducal de Siena hacen que la pintura salga del ámbito eclesiástico y se imponga en la vida civil. En Italia, influenciada por los bizantinos, crea unas formas de pintura: preocupación por la representación de la profundidad que nos lleva a la perspectiva clásica. Consigue su máximo explendedor en el siglo XIV.




Características
Su característica principal es el naturalismo que surge a finales del siglo XIII. Se comienza también con la representación de paisajes aunque es poco usual. Pretende dar una tono místico y un de un perfecto cristiano a sus figuras. En el aspecto de la representación de los personajes religiosos se pretendió acercalos más a lo humano que a lo divino dándoles emociones y sentimientos.
Se produjeron algunos avances con la perspectiva y con el tratamiento de los soportes.

Estilo italo-gótico
Este estilo se fue formando a lo largo del siglo XIII (también llamado Duecento) en Italia. Se mezclo el arte bizantino con las pinturas de Florencia y Siena, que demostraban más realismo . Se sentía una fascinación por la perspectiva, por crear espacios más reales.

Escuela Sienesa
Se inicia con Duccio di Bonsegna bajo la influencia de los modelos bizantinos. Su tema principal es la Madonna en Maestá (en la catedral de Siena) y temas evangélicos.
Simone Martini, nacido en Siena en 1284 y fallecido en Aviñón en 1344, fue uno de los más importantes pintores de la escuela sienesa. En 1315, el Comune de Siena decidió decorar una de las salas del Palacio público con la imagen de la patrona de la ciudad: la Virgen. Para ello Simone Martini realizó el la imagen de la Virgen, reina de la ciudad, para que presidiera las deliberaciones y asuntos de estado.

Escuela Florentina
El iniciador fue Cimabue aunque el mayor maestro fue un discípulo suyo, Giotto (1266-1337), al que se le considera el auténtico iniciador de la pintura moderna. Giotto buscó representar el espacio de forma correcta introduciendo las tres dimensiones y conseguir un mayor realismo en las expresiones.

Escultura Gótica

La dependencia de la escultura gótica frente al soporte arquitectónico continúa siendo muy importante, como en el periodo romanico, aunque se producen algunos cambios: los capiteles dejan de ser un espacio preferente para los relieves; las arquivoltas de los pórticos pasan de ser decoradas en sentido radial para serlo en el sentido de los arcos (ahora apuntados); el altar mayor pasa a acoger retablos cada vez más complejos, que pueden ser pictóricos o escultóricos (habitualmente de madera policromada, no hay que olvidar que la policromía acompañaba también a la escultura en piedra). Las esculturas de bulto redondo empiezan a independizarse de las paredes y a hacerse cada vez más autónomas. Las adosadas a las columnas y parteluces se hacen más esbeltas y dinámicas. Se considera a las del pórtico oeste (el llamado real) de la catedral de Chartes (hacia 1145) el ejemplo más temprano del gótico, y significaron una revolución en el estilo y un modelo para generaciones de escultores, que parecen provenir de la región de Borgoña.

La expresividad cambia, haciéndose menos hierática y más expresiva, reflejando sentimientos (dolor, ternura, simpatía), acentuando la tendencia del último románico y en coincidencia con una nueva mentalidad, más urbana y próxima a los conceptos filosóficos de hombre y naturaleza en la filosofía escolastica y la renovación de la espiritualidad.

Arquitectura Gótica

La arquitectura gótica fue la base del arte gótico que se desarrolló en Europa Occidental desde finales del siglo XII hasta el siglo XV. Nació en Francia y Normandía y se expandió por toda Europa en parte debido a la reforma cisterciense por San Bernando en 1112.
Se concentró especialmente en hacer la estructura más ligera estrechando muros y conseguir una mayor iluminación en el interior.

Elementos característicos:

Notre Dame de París





La catedral es el monumento más característico de la arquitectura gótica, en la que se reúnen todas las características. Las catedrales góticas eran los monumentos más altos que se habían construido.

Su planta, en forma de cruz, es de tres o cinco naves, con crucero más corto que el de la arquitectura románica, y en la cabecera la girola o deambulatorio, en la que se abren las capillas poligonales, todas encerradas en un gran medio círculo. Son destacadas las altísimas naves laterales, las que sirven de campanario y en las que se abren los amplios ventanales.
Los elementos introducidos nuevos con respecto a la estructura son la bóveda de crucería formada por arco apuntado o ojival.



Bóveda de crucería cuatripartita con arcos apuntados

Planta original de Notre-Dame de París



La bóveda de crucería consigue concentrar los esfuerzos de la estructura en un punto centraliando los empujes en un punto determinado con lo que se consigue estrechar los muros y por tanto permite el uso de más ventanas y vidrieras. Los empujes se envían a los contrafuertes en los exteriores de los edificios usando arbotantes. Los arbotantes son arcos exteriores que recogen la presión de la estructura y la transmite a los contrafuertes. Gracias a esto consigue hacer edificios más altos.




Los arbotantes de la nave central de Nuestra Señora de París, datan del año 1230



Rosetón en la basílica de St. Denis



En las puertas es donde podemos observar la ideología teológica del gótico. Se componen de arcos apuntados macizando la parte superior formando el tímpano con decoración escultórica. En la mitad del tímpano se coloca un parteluz con ornamentación escultórica.




Puerta de la catedral de Huesca

Arquitectura gótica en Italia

La arquitectura gótica se expandió por toda Europa rápidamente gracias a la orden de Cluny. También las Cruzadas ayudaron a su expansión. En Italia llegó de forma tardía y no se quedó mucho. Llegó mediante los cistercienses, monjes venidos de Francia que en la región del Lazio funcdaron la abadía de Fosanova, el primer monumento gótico italiano. A finales del siglo XIII se encuentra una gran actividad gótica en Italia y se hacen edificios como el Palazzo Vecchio de Florencia y los palacios de Siena. En siglo XV, ya influenciado por el Renacimiento se construye el Palacio Ducal de Venecia.



Palazzo Vecchio en Florencia

Gótico

El arte gótico se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia, y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.

Escultura Románica

Se podría decir que la escultura y la arquitectura románica están íntimamente unidas pues tuvieron prácticamente el mismo desarrollo y sus componentes se inspiraban en los elementos romanos, bizantinos, persas y arabes.

La escultura solía inspirarse en los dibujos y figuras de los códices regionales y de los tapices venidos de Oriente. El carácter general de la escultura románica consiste en la imitación de modelos artificiales y de aquí su amaneramiento o rutina. A diferencia de la escultura gótica, en la cual se revela un positivo estudio e imitación de la Naturaleza.También se dice que la escultura románica se constituye por la imitación de modelos bizantinos o romanos de estilo decadente pero realizada con mano latina y frecuentemente bajo la influencia del gusto persa o del árabe, pero con cierta rigidez de formas, figuras poco expresivas o demasiado, olvido del canon escultórico en la forma humana, forzada simetría en el plegado de los paños (muy parecida a la del periodo arcaico griego), repetición y monotonía en los tipos de una escena, tosquedad en la ejecución de la obra y frecuente adopción de flora estilizada y de fauna monstruosa como asuntos ornamentales y simbólicos.

En la escultura románica, ya fuera en obras de piedra, marfil o madera, era muy común la policromía siempre sobria en la viveza de colores

Pintura Románica

Respecto a la pintura, el arte románico definió un estilo en el que podemos encontrar características comunes a la escultura como es la posición antinatulista y además la ausencia de perspectiva y la falta de movimiento.
En Italia se desarrolló el estilo italo-bizantino representado en cuadros, mosaicos y miniaturas. Estas obras debido a su cerca semejanza podrían ser calificadas como bizantinas por la influencias de estos artístas.




En este estilo destaca las miniatura realizadas por gente letrada quienes prentendía decorar libros para gente que sabía leer, no con fines didácticos.
El tema de la época sería el Apocalipsis debido a la cercanía del milenio asociado al juicio final. Otro tema podía ser el de el Tetramorfos, que representa a los cuatro evangelistas acompañados de sus símbolos, aunque a veces estos símbolos aparecen solos.

La pintura mural románica es una pintura bidimensional. No imita a la realidad para dar una imagen interpretativa, un símbolo, en el que se busca la esencia de lo que se representa.

Edificios Románicos de Italia

En Italia, el románico tuvo influencias bizantinas y de la arquitectura clásica. Las primeras se debían a su posición estratégica en el Mediterráneo que les permitía comerciar con ambos extremos tomando como ideas para sus edificios lo que veían en oriente. La segunda se debía al sentimiento de necesidad de continuar con las tradiciones del imperio. Algunos arquitectos también diseñaron sus catedrales de manera paleocristiana, separandola en tres edificios: iglesia, baptisterio y campanario. Algunos ejemplos de lugares religiosos románicos son:

-La catedral de Pisa:

Fue iniciada en 1063-1064 por el arquitecto Buscheto, con la décima del botín de la empresa pisana contras las Islas Baleares. Se fundieron en ella elementos estilísticos diversos, clásicos, lombardo-emilianos, bizantinos y en particular islámicos para probar la presencia internacional de los mercaderes pisanos de aquellos tiempos. La catedral fue consagrada en 1118 por el Papa Gelasio IILcatedral fue consagrada en 1118 por el Papa Gelasio II.

-La Basílica de San Miniato al Monte:

San Miniato fue el primer mártir de la ciudad. Se cuenta que en torno al año 250, llegado a Florencia comenzó una vida de eremita, y que fue decapitado durante la persecución anticristiana del emperador Decio. Dice la leyenda que, poco después de su ejecución, se marchó andando con la cabeza cortada en sus manos, y cayó en el lugar donde actualmente se erige la basílica. La capilla se levanto en el siglo VIII pero la construcción de la actual data del siglo XII.

-La Basílica de San Ambrosio (Milán):

Esta basílica fue construida a finales del siglo cuarto por el obispo de Milán, Ambrosio, pero sufrió una serie de cambios durante los siglos IX, X y XI siguiendo el esquema románico.

Arquitectura Románica

La arquitectura románica, formada en los primeros siglos de la baja Edad Media tuvo como primer objetivo construir nuevos templos e iglesias que pudieran resistir mejor el transcurso del tiempo manteniendo y desarrollando un estética.
Este estilo arquitectónico porviene de la mezcla de elementos constructivos de diferente procedencia latina, oriental y septentrional (celtas, germánicos).

La mayoría de los edificos románicos se construyeron en piedra. La piedra se empleó de diferentes formas como veremos: bóvedas de cañon y cúpulas, resaltando ésta última ya que una condición que se mantenía era la del templo abovedado para, evitar incendios con el techo de madera y para la mayor relevancia simbólica del edificio.

En este intento de hacer pesadas cúpulas de piedras tuvieron que cambiar la forma de construir los muros, haciéndolos más gruesos y utilizando diferentes estrategias para equilibrar los pesos y que los edificios no se derrumbaran. Al hacer muros gruesos y fuertes tuvieron el problema de la iluminación y por ello la mayoría de los edificios tiene poca luz.

Otra característica propia del románico es el arco de medio punto. Es un arco con forma de semicírculo que ayudaba a soportar el peso de las bóvedas. A comienzos del siglo XII, se comienza con el uso del arco apuntado u ojival que forman un ángula en la clave del arco. Esta invención fue importante para el estilo que se desarrolló después el Gótico.

Las columnas y pilares fueron también muy importantes en el aspecto de distribución de pesos. La columna está compuesta por la basa, fuste y capitel.
Con los pilares no bastó para distribuir los pesos por lo que tuvieron que adosar naves a los lados con más muros, quitar ventanas para reforzar los muros y en el exterior poner unos pequeños muros llamados contrafuertes.

Plantas:
Respecto a las plantas hubo diferentes tipos muy diferentes a continuación muestro las de más relevancia:

• Plantas de salón o basilicales.
  Sacadas de antiguos edificios romanos. Tienen 1, 3 ó 5 naves adosadas y terminan en ábside semicircular.


• Plantas de cruz latina.
  Parecida a la anterior que además añade se le añadía un brazo perpendicular saliente formando una figura de cruz latina simbolizando la cruz de Cristo.


• Plantas circulares o poligonales.
  Son menos frecuentes. Solían pertenecer a órdenes militares participantes en la Cruzadas.


• Planta de cruz griega.
  Son dos naves perpendiculares de igual tamaño.